La Houlette du Hérisson - Patrick Braganti

C’est donc autour d’une histoire d’amour entre deux enfants, Sam et Suzy, que l’américain Wes Anderson construit son septième long-métrage. Deux enfants, peut-être pas tout à fait. Si Sam, scout Kaki aux faux airs de Davy Crockett façon Castor Junior, a encore tout du bébé, son amoureuse Suzy a elle déjà les attributs irréprochables d’une petite Lolita. Sans doute le réalisateur de La Vie aquatique a-t-il bien raison de croire en l’amour enfantin car la version des adultes semble ici se cantonner à la tromperie, la rancœur et la jalousie. Ces mêmes adultes, qui les parents de Suzy, qui l’officier de police en charge de remettre la main sur les deux fuyards, qui le chef scout quelque peu niais, redoublent d’efforts pour anéantir la romance originelle, comme pour préserver des inévitables déceptions et des désillusions fatales les jeunes innocents qui, de leur côté, révèlent un comportement plus responsable et réfléchi.

C’est une évidence : Moonrise Kingdom se construit sur l’inversion des rôles entre enfants et adultes, et épouse pour cela la forme d’un conte niché au cœur d’îles prochainement soumises à un cataclysme météorologique. Un conte qui emprunte lui-même beaucoup aux codes de la bande dessinée : les cadres stricts composent autant de cases qui défilent en longs travellings latéraux ou en mouvements de marche arrière de la caméra. Comme dans ses opus précédents, le réalisateur réussit à merveille à créer un univers personnel avec son patchwork de couleurs pastel, son sens inouï du détail qui confine au perfectionnisme, son goût de l’invention et du décalage. L’ennui est que cette savante alchimie transpire le préfabriqué et le systématique de manière de plus en plus visible, réduisant ainsi l’ensemble à une succession de sketches qui manque un peu de liant. Les séquences des retrouvailles et de la fugue des jeunes tourtereaux donnent au film ses meilleurs moments, notamment parce qu’elles utilisent à plein les ressources de l’endroit, paradisiaque et féérique. Sur fond de Françoise Hardy, l’été 1965, même au large de la Nouvelle-Angleterre, ça vous a un petit côté pop, nostalgique et mélancolique irréfutable que les teintes acidulées soulignent joliment. Tout ceci est donc charmant, léger et aussi anecdotique. Le système Anderson tourne à la fois à plein régime et un peu à vide, comme prisonnier de ses afféteries et de ses tics. La part dévolue aux adultes (avec un casting de stars) est logiquement réduite, mais pour le coup les seconds rôles peinent à exister au-delà de quelques prestations frisant le cabotinage. L’issue du film dans le déchainement des éléments vire peu à peu à la pantalonnade, le tirant pour le coup vers le pur divertissement qui ne manquera pas de réjouir grands et petits. C’est dans la dernière scène où Sam peint le tableau d’un paysage qui n’existe plus que transparait l’éphémère de la jeunesse et des amours enfantines. Un constat qui assombrit soudain le film, signe peut-être que Wes Anderson se dirige prochainement vers d’autres univers.

Émilie a beau être une jolie et indépendante jeune femme installée à Marseille, elle n’en est pas moins célibataire et désireuse, en ce soir de Saint-Sylvestre solitaire, que les choses changent dans les six mois à venir. Et puisque l’ère est au virtuel et à l’électronique, autant utiliser les moyens dits modernes, donc s’inscrire sur un site de rencontres. Des rencontres, Émilie ne va pas manquer d’en faire : des drôles et des moins drôles, des romantiques et des cyniques, enfin des hommes pour lesquels la vie amoureuse ne doit guère être plus passionnante ou remplie que celle de la jeune femme. La lilloise Dorothée Sebbagh, réalisatrice jusqu’alors de deux courts-métrages et collaboratrice (au montage ou à l’écriture du scénario) chez Emmanuel Mouret, Serge Bozon ou Valérie Donzelli, choisit pour Chercher le garçon, son premier long-métrage qui ne fait au final que 70 minutes, l’examen décalé du badinage et de la drague dans leur version moderne qui bannit le hasard et espère en l’accumulation et la multiplication.

Construit sur le motif de la répétition, celle des rendez-vous plus ou moins brefs auxquels se rend Émilie, le film réussit le pari de ne pas virer au systématisme, de se tenir à juste distance d’une vulgarité ou d’une lourdeur qui restent tapies dans l’ombre et d’instiller une ambiance à la fois légère, ironique et par instants mélancolique. Chercher le garçon n’est pas tenu de bout en bout, connait quelques faiblesses dans la caractérisation quelque peu outrancière et convenue de certains personnages masculins. Cependant, ils sont tous regardés avec tendresse, sans jugement. Le charme du film provient surtout de deux raisons. La première, c’est d’évidence le talent incontestable de la comédienne Sophie Cattani à camper avec une belle énergie, un grain de folie et une présence physique qui irradie l’écran la tenace Émilie. La seconde, c’est d’avoir eu la bonne idée de situer le film à Marseille et de tirer un profit maximal de la lumière maritime, des couleurs solaires, ce qui en fait aussi une sorte de film de vacances, de liberté qui crée un espace temporel où tout peut s’avérer, de l’espoir à la déception.  Frais, spontané, cocasse et imaginatif, Chercher le garçon est une œuvre pétillante qui révèle dans les creux un regard futé et malicieux sur la société contemporaine – les dialogues touchent par leur justesse et leur mordant. Ayant choisi la bonne longueur, renouvelant presque à chaque fois le contexte de la rencontre, Chercher le garçon évite ainsi de devenir un catalogue ennuyeux et prévisible des clichés qu’on associe facilement aux dragueurs isolés, en mal d’amour, de l’Internet.

Jusqu’à présent, les meilleurs films qui ont tenté de traiter de la crise économique de 2008 et des années suivantes ont été des documentaires, visant à démonter et rendre à peu près clairs les mécanismes complexes qui ont conduit à cette situation (Inside Job) ou à donner la parole aux victimes (Cleveland contre Wall Street). Pour ce qui relève de la fiction, c’est l’annonce de l’apocalypse qui a prévalu.

Premier film de J.C. Chandor, Margin Call offre donc un regard inédit à bien des égards. Il réussit à nous faire pénétrer dans l’œil du cyclone (une société financière dans un gratte-ciel new-yorkais et son équipe de traders) et à proposer une vision neuve, ou tout au moins inhabituelle, des marionnettistes et jongleurs de la finance internationale. En effet, le cliché à la dent dure du trader ambitieux, sous pression, speedé et sniffant des rails de coke n’a plus cours ici. Probablement parce que le film s’intéresse à un entre-deux, une période de flottement et d’indécision entre la révélation d’une énorme faillite à venir et la mise en pratique de solutions radicales qui mettront le feu aux poudres. C’est le plus grand atout de Margin Call : mettre en scène durant une nuit de doute et de basculement des hommes (et une femme) de pouvoir dépassés par les systèmes qu’ils ont pourtant contribué à échafauder et à développer. À mots feutrés d’un scénario subtil et bien écrit, les négociations et les plans se fomentent, avec pertes et fracas.

Royaume du cynisme et du calcul, la firme multinationale joue avec les milliards virtuels et les existences réelles de ses employés et de ses clients. Sur ce constat implacable le film ne fait hélas qu’entériner des intuitions et construit lui-même ses propres limites. On ne lui trouve guère de défauts (maitrise de la mise en scène, certes très inspirée par le modèle de la série, interprétation sans faute des comédiens, utilisation intelligente du décor naturel de Manhattan) et bizarrement on ne parvient pas à être captivés par le film. C’est vrai qu’il parait difficile d’éprouver de la compassion pour cet aréopage de cadres millionnaires, dont les plus jeunes sont déjà pourris par la réussite mirobolante et indécente de leurs ainés, exprimant un amour incongru des chiffres. Ensuite, il ne se passe pas grand-chose au final ; on est dans l’attente qu’un événement extraordinaire (meurtre, suicide, bagarre générale) survienne dans la tension croissante, décuplée par une nuit sans sommeil. Mais c’est là être bien naïf d’y croire car les dirigeants veillent à ce que tout rentre dans l’ordre, les juteuses enveloppes et les transactions de licenciement y aidant largement et ayant raison des états d’âme des plus vieux ou de moins aguerris.

À se cantonner à une auscultation fine et acérée du milieu de la finance, en nous plongeant au cœur d’un réacteur dont l’explosion est imminente, le film rejoint en définitive la démarche documentaire et ne nourrit pas assez sa part fictionnelle. Il n’est pas certain cela étant que cette contradiction soit simple à résoudre, mais il y a sans conteste quelque chose de bancal dans la dramaturgie de Margin Call qui en fait une œuvre inaboutie et donc insatisfaisante, malgré des qualités formelles indéniables. Ce n’est pas le moindre paradoxe.